Und selbst Loudon Jr. taucht auf, quasi als Geist der Vergangenheit. Auf dem Titeltrack und The Days That We Die liest der Sohn zwei seiner Essays (der Vater war Kolumnist für Life), die sehr gut zum Thema passen. Auf letzterem duettiert Wainwright mit Sohn Rufus, der ebenfalls gerade ein neues Album veröffentlicht hat, über das Dilemma familiärer Zwistigkeiten: „Why in this world can’t we get along? Each victory should be good news, but when I have to win you’re the one that’ll lose.” Ähnlich All in a Family: “No one wins in a family war” singen LW3 und Tochter Lucy Wainwright-Roche, und “What family is not insane?” Richtig traurig wird es bei Somebody Else, wenn er feststellen muss, dass mal wieder jemand, den er kennt, gestorben ist. Man fragt sich, ob Loudon dabei auch an seine erste Frau, die Folksängerin Kate McGarrigle gedacht hat, die vor zwei Jahren verstorben ist. Deren einziger gemeinsamer Song Over the Hill von 1975 ist übrigens auch auf dem Album vertreten.

Aber Wainwright wäre nicht Wainwright, wenn er nicht auch einige beißend komische Lieder im Programm hätte. Ghost Blues handelt vom Leben nach dem Tod („The day that I died I knew I was toast/the next day I was hanging out with Marley’s ghost”), in My Meds geht es um die Pillen, die man im Alter von seinem Arzt so reingedrückt bekommt: „If the side effects don’t kill me, my meds might save my life.” Die Krönung ist allerdings ein Song namens I Remember Sex, in dem LW3 mit Dame Edna Everage (alias Barry Humphries) über die unfreiwillige Enthaltsamkeit singt, die sich ab einem gewissen Alter einzuschleichen scheint: „I remember sex, I started on my own/when you and I stopped having it, I tried it on the phone/but that was so expensive!“ usw. Abgesehen von Randy Newman fällt mir niemand ein, der so unterhaltsame Songs über das Altern schreiben kann.  Auch wenn die Texte das Beste an dem Album sind, ist es auch musikalisch durchaus ansprechend – und abwechslungsreich. Insgesamt ist es leicht bluesig angehaucht, insbesondere beim Titelsong und The Here & The Now, aber es gibt auch hübsche Klavierballaden wie In C oder The Days That We Die, während das Piano bei My Meds eher ragtimeartig ausfällt. Date Line fasziniert vor allem durch die Bläser- und Akkordeon-Begleitung; die Ramblin’-Jack-Elliott-Kollaboration Double Lifetime hingegen ist ein waschechter Sixites-Folksong im Stil von Bob Dylan. Und mit Interlude gibt es sogar noch ein klassisches Instrumentalstück.

Nach seinem exquisiten Charlie Poole Project war ich mir nicht sicher, ob Wainwright noch einmal etwas ähnlich Gutes zustande bringt. Wie schön, dass ich mich getäuscht habe. Older Than My Old Man Now ist ein Album voller wunderbarer Songs, bei denen man oft nicht weiß, ob man lachen oder weinen soll. Am besten ist wohl beides.

Ray Wylie Hubbards

Den Auftakt macht Coricidin Bottle, in dem sich Hubbard whiskeygeschwängerte Stimme mit den heulenden Gitarrensoli seines Sohnes Lucas abwechseln. Lazarus besticht durch knorrige, akustische Slides, während Hubbard angesichts Amerikas Unzulänglichkeiten trocken resümiert: At least we ain’t Lazarus and had to think twice about dyin’. Passend dazu geht es mit der musikalischen Höllenfahrt New Year’s Eve at the Gates of Hell weiter, die vor beißendem Spott nur so trieft: Seems God outsources his work to the devil. Mother Blues hingegen wartet mit fast filmreifen Lyrics auf. Mit seinem erdigen Sound erinnert Hubbard oft an Texasbluesgrößen wie Lightnin’ Hopkins oder Mance Lipscomb, vor allem auf Count My Blessings oder Coochy Coochy, bei dem Ringo Starr einen Gastauftritt hat. Gitarre, Banjo, Schlagzeug – viel mehr braucht der Mann meist nicht, um seine Songs in Szene zu setzen. Es gibt aber auch umfangreicher instrumentierte Titel mit einem Hauch Honkytonk wie South of the River oder Henhouse, die durch Ian McLagan am Klavier versüßt werden. Wie auch bei Dr. John ist der letzte Song eine Gospel-Nummer, doch bei Hubbard ist diese wenig erhebend. Ein dunkler Moll-Blues, dessen instrumentale Begleitung immer weiter abnimmt, bis nur noch Hubbards Stimme übrigbleibt: When death comes knocking ask God to open the door.

Fazit: The Grifter’s Hymnal ist ein gewaltiges, faszinierendes Album. Wer den guten, alten handgemachten Blues liebt, dem kann ich es nur sehr empfehlen.

Locked Down beginnt unscheinbar mit Vogelrufen und Hundegebell, doch dann setzt eine griffige Basslinie ein gefolgt vom packenden „Ha!“ des Backgroundchores, und schon ist man mittendrin in Dr. Johns Voodoozeremonie, die einen augenblicklich in ihren Bann zieht. Das ganze Album verfügt über einen Retrosound, der stark an die Musik der Sechziger und Siebziger erinnert. Revolution etwa beginnt mit einem funkigen Bläsersatz, während der Doktor wütend predigt: “Blind eyes of power, blind eyes of justice/dumb moves of money left us in a desperate hour.”, in Anspielung auf Katrina und die Ölpest im Golf von Mexico. Angeheizt wird Dr. Johns Ärger vom treibenden Schlagzeug, einem Elektroorgelsolo und dem höchst eingängigen Motiv des Baritonsaxophons. Das ist düster, dämonisch und unwiderstehlich. Jeder Song ist ein Volltreffer. Big Shot hat eine Coolness, die an Tom Waits erinnert; Ice Age paart afrikanische Trommeln und fette Orgelsounds mit Pessimismus und Hoffnunglosigkeit: “KKK, CIA all playin’ in the same… now you’re hanging at the end of a rope.“ Auerbachs Einfluss wird besonders auf Getaway spürbar, für das er ein monströs aufheulendes Solo beisteuert. Auf Eleggua beschwört Dr. John die Geister, während My Children, My Angels von der Bitte um Vergebung geprägt ist. Am Ende wartet die Erlösung: God’s Sure Good ist ein erhebender Gospelsong, versüßt mit dem beseelten Gesang der McCrary-Schwestern, der das Album doch noch auf einer positiven Note enden lässt. „God knows I’m okay.“

Locked Down ist ein facettenreiches, höchst infektiöses Album, das Endzeitvisionen mit einer Musik kombiniert, die so schwül und sexy ist wie zuletzt vielleicht der Soundtrack zu Shaft. In gewisser Weise erinnert es mich an You Are Not Alone von Mavis Staples. Auch Staples hatte ein wesentlich jüngerer Produzent, Jeff Tweedy von Wilco, zu einem zweiten Frühling verholfen. Locked Down beweist, dass das Mojo des 71-jährigen Rebennack noch immer intakt ist. Mit Auerbachs Hilfe ist ihm ein spätes Meisterwerk gelungen, das hoffentlich nicht ohne Fortsetzung bleibt.

Mir war natürlich klar, warum ich da in der (ziemlich schönen) Jahrhunderthalle saß, trotzdem war ich so überrascht und überwältigt, als Randy Newman um kurz nach acht die Bühne betrat. Er war noch kleiner als ich ihn mir vorgestellt hatte und auch sein Alter war ihm anzusehen. Seine Finger sind jedoch so flink wie eh und je; im Vergleich zu den Studioaufnahmen hatte er das Tempo sogar noch einmal angezogen. Dazu kommt natürlich seine einzigartige Knödelstimme, die jemand mal sehr passend als „Amerikas Schluckauf“ bezeichnet hat. Den Auftakt machte Lover’s Prayer, in dem der Protagonist um eine Partnerin bittet, nicht ohne eine ganze Reihe an Bedingungen nachzuschieben, gefolgt vom bezaubernden Jolly Coppers on Parade. Wie auch die Jayhawks konzentrierte sich Newman nicht auf sein letztes Album Harps & Angels (dessen Veröffentlichung mittlerweile auch schon fast vier Jahre zurückliegt) sondern präsentierte Songs von so ziemlich allen Alben aus seiner über vierzigjährigen Karriere. Ein erster Höhepunkt war Bad News From Home von seinem autobiographischsten Album Land of Dreams, das live sogar noch dunkler und intimer klang, inklusive der finalen Killerzeile „You said you loved me but I know you lied“.

Zwischen den Songs redete Newman gar nicht so viel, wie ich erwartet hatte, was bei seinem schwarzen Humor fast ein bisschen schade war. Er erwähnte unter anderem, wie toll er die Location fand, nur um daraufhin Mama Told Me Not to Come zu spielen. Trotzdem glaube ich, dass er es nicht nur aus Höflichkeit gesagt hat. Da seine erste Frau aus Duisburg stammt, kennt er das Ruhrgebiet wahrscheinlich auch recht gut. Seine langjährige Beziehung zu Pixar kam natürlich ebenfalls zur Sprache. Für die hatte er einen seiner bekanntesten Songs geschrieben: You’ve Got a Friend in Me, den er auch an diesem Abend spielte. Das Publikum durfte auch gelegentlich mitmachen, unter anderem bei I’m Dead (But I Don’t Know It), das von Rockstars handelt, die einfach nicht wissen wann Schluss ist. Newman spottet: „Alle die 1973 auf Tour waren sind es auch heute noch.“ Die Zuschauer warfen beim Refrain ihr „He’s dead! He’s dead!“ ein, gefolgt von „You’re dead!!!“ am Schluss, das leider nicht ganz so fies herauskam, wie Newman es sich erhofft hatte. Bei Rider in the Rain durfte das Publikum den Eagles-Ersatz machen, was etwas besser funktionierte.

Er spielte eine ganze Reihe meiner Lieblingssongs, z.B. Last Night I Had A Dream oder Losing You, der vielleicht traurigste Song aller Zeiten. Da er solo unterwegs war, musste er ein bisschen improvisieren, z.B. bei Red Bandana, wo er das Kirmesmusikintro auf dem Klavier nachahmte, oder Harps & Angels, bei dem er selbst den Engelchor gab, was sich natürlich nicht ganz so himmlisch anhörte. Besonders bewegend waren sein vielleicht bester Song In Germany Before The War, das von einem Kindermörder handelt und Louisiana 1927, das die große Mississippiflut zum Thema hat. In erster Linie gab es aber viel zu lachen, vor allem bei seinen besonders bösen Songs wie Sail Away, Political Science oder The Great Nations of Europe, in denen er so spaßige Themen wie Sklavenhandel, Atombomben und Imperialismus verarbeitet. Auch sein einziger Hit Short People gehört in diese Kategorie. In Deutschland wird er in letzter Zeit immer auf The World Isn’t Fair angesprochen, weil Karl Marx dort einen Auftritt hat, oder wie Randy sagt: „Ich wollte über die Einschulung meiner Kinder schreiben, aber damit es sich nicht so trivial anhört, habe ich die Gründe für das Scheitern des Marxismus mit eingebaut.“ Sehr gefreut habe ich mich auch über Dixie Flyer, das mir besonders viel bedeutet, weil dies der Song ist, bei dem ich mich in seine Musik verliebt habe.

Als Zugabe spielte er Rollin’, einen seiner kleineren Songs und, für mich der Höhepunkt, I Think It’s Going to Rain Today, seine Abrechnung mit einer Gesellschaft, der es an Empathie und Menschlichkeit mangelt. Es wird ja oft übersehen, dass Newman eigentlich ein großer Humanist ist. Nach gut zwei Stunden war leider alles vorbei. Er hätte natürlich noch mindestens weitere zwei Stunden mit Songs füllen können, für die die meisten Musiker einen Mord begehen würden, aber ich sehe ein, dass das wohl den Rahmen sprengt. Ihn endlich einmal persönlich zu erleben war auch so ein unvergessliches Ereignis. Ein perfektes, wenn man mal von dem Pärchen neben mir absieht, dass die ganze Zeit gequatscht hat. Ich werde wohl nie verstehen, wieso jemand 70 Euro für ein Ticket ausgibt nur um dann die ganze Zeit zu schnattern. Aber ich schweife ab. Was ich sagen will: Wenn ihr noch nicht alle Randy-Newman-Alben habt, holt das auf der Stelle nach! Randy ist ein Unikat und kenne kaum einen Künstler, der einen auf so viele verschiedene Arten begeistern kann. Einfach unvergleichlich.

Leider begann der Abend mit einer kleinen Enttäuschung: Eigentlich sollte es um acht los gehen, doch als wir um 19:30 Uhr die Kantine betraten, kündigte der Support Richmond Fontaine bereits seinen letzten Song an. Wenn als Beginn 20 Uhr angegeben ist, dann geht man doch davon aus, dass die Vorband um diese Zeit loslegt, zumal auch erst um sieben Einlass war. Richmond Fontaine habe ich vor zwei Jahren schon live gesehen und sie haben mir echt gut gefallen, von daher hätte ich sie gerne noch einmal gehört, aber das war halt Pech. Alles war jedoch vergessen, als die Jayhawks um Punkt Acht die Bühne betraten. Mark Olson sah mit seinen Wuschelhaaren und übergroßen Klamotten mal wieder so aus, als wäre er gerade erst aufgestanden, sodass Gary Louris in seinem schlichten Hemd dagegen richtig elegant wirkte. Los ging es mit Wichita von ihrem Opus Magnum Hollywood Town Hall. Der Song hörte sich noch genau so frisch an wie vor 20 Jahren und auch die lange Trennung hat bei Olson und Louris anscheinend keine Spuren hinterlassen, denn die beiden harmonieren immer noch sehr gut. Zwischen den Songs tuschelten die zwei auch immer wieder miteinander und schienen viel Spaß zu haben. Manchmal hätte ich mir gewünscht, sie hätten das Publikum etwas mehr daran teilhaben lassen, aber es war auch schön, sie einfach gemeinsam auf der Bühne zu sehen. Weiter ging es mit einem der neuen Songs, Cinnamon Love. Das Quintett spielte überraschend wenig von Mockingbird Time, sondern bot eher ein Best of ihrer gesamten Karriere dar. Dabei spielten sie sowohl Country-Rock-Nummern wie Take Me With You When You Go oder Tiny Arrows wie auch die poppigeren Sachen à la Miss Williams’ Guitar oder She Walks In So Many Ways. Am meisten gefreut habe ich mich über Blue, bei dem der Harmoniegesang der Band besonders umwerfend ist.

Aber auch Songs aus der Zeit ohne Olson waren vertreten, wie etwa Angelyne oder A Break In The Clouds. Bei letzterem sang Louris im Duett mit Pianistin Karen Grotberg, deren Qualitäten auf der Bühne erst so richtig zur Geltung kamen. Zum Glück, denn ihr locker-flockiges Klavierspiel ist eine wunderbare Ergänzung zu Louris’ vibratoverstärkten Gitarrensoli. Im Gegenzug durfte Olson einen seiner Solosongs singen, und zwar Clifton Bridge von The Salvation Blues. Mittendrin erklangen aber plötzlich wuchtige Basssounds, die nicht nur das Publikum, sondern auch die Musiker reichlich verwunderten. „Das ist unser neuer Sound.“, scherzte Louris anschließend. Eine weitere Überraschung war die wunderbare Version des traditionellen Gospelsongs Up Above My Head. Für die Zugabe durfte Drummer Tim O’Reagan ans Mikrofon, der seinen Song Tampa to Tulsa präsentierte. Im Anschluss legte Olson die Akustikgitarre ab, löste das Mikro vom Ständer und sang in Crooner-Pose How Can I Send Tonight There to Tell You aus seiner Zeit mit den Creekdippers. Den krönenden Abschluss bildete natürlich Waiting For The Sun, ihr vielleicht bester Song, der live sogar noch einmal überwältigender ist als auf Platte.

Nach gut anderthalb Stunden, die wie im Flug vergingen, war leider endgültig Schluss. Ich hätte ihnen noch endlos zuhören können! Es war so schön, die Jayhawks zusammen auf der Bühne zu sehen. Sie sind einfach klasse Musiker und unglaublich sympathisch. Meiner Meinung nach haben sie ihre optimale Besetzung gefunden und ich bin schon sehr gespannt, was wir in Zukunft noch von ihren hören dürfen. Übrigens: Zwei Tage später wurde diese einmalige Konzerterfahrung sogar noch getoppt. Von wem, das erfahrt ihr beim nächsten Mal. Stay tuned!

Sonic Youth

Between The Times And The Tides, VÖ: 16.3.2012; Label: Matador

Anspieltipps: Waiting On A Dream, Off The Wall, Fire Island (Phases)

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Nächste Woche könnt ihr bei den Eleventh Street Kidz ein Interview mit Donen lesen und seid euch jetzt schon sicher: Der Mann hat was zu sagen!

Vampires, VÖ: 4.5.2012; Label: Songs & Whispers

Anspieltipps: Sophia, And There Will Come A Time, Sickle Moon

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Das Gigant ist eigentlich ein Kino, doch nebenan gibt es ein kleines Café, das auch schon brechend voll war, als ich ankam. Die Apeldoorner wissen, was gut ist. Immerhin habe ich noch einen Stehplatz relativ weit vorne bekommen, sodass ich uneingeschränkte Sicht auf die Stars des Nachmittags hatte. Da alles so spontan abgelaufen war, fiel es mir im Vorfeld schwer zu begreifen, dass ich die Deep Dark Woods tatsächlich live sehen würde. Ich war sogar richtig überrascht, als Sänger und Gitarrist Ryan Boldt das Café betrat und meine Vorfreude steigerte sich ins Unermessliche.

Die fünf Herren platzierten sich im vorderen Bereich des Cafés vor einer Glaswand, während sich immer mehr Zuschauer um sie herum versammelten. Nach kurzem Soundcheck legte die Band dann gleich mit ihrem vielleicht besten Song los, dem Anti-Kriegs-Epos The Banks of the Leopold Canal. Erst war nur die Gitarre zu hören, doch dann setzte die ganze Band ein, während Boldt mit herzzerreißender Intensität sang „Sitting in the trenches I couldn’t help but curse that cruel bloody war that had taken me from her. Taking me from my sweetheart and the place where I loved to dwell, they shipped me off to the bloody banks of the Leopold Canal.” Live sind die Songs noch mal ein bisschen ausgefeilter als auf Platte und fast jede Nummer beinhaltet mehrere Soli oder endet mit einem ausgedehnten Jam. Dabei zeigt sich immer wieder, was für eine fantastische Idee es war, Keyboarder Geoff Hilhorst in die Band zu holen, der das Publikum immer wieder mit seinen Orgelsoli in Erstaunen und Begeisterung versetzt. Aber auch der Rest der Band muss sich nicht verstecken: Ryan Boldt und Burke Barlow sind zwei hervorragende Gitarristen, die ihrerseits faszinierende Soli produzieren. Hinzu kommen Chris Mason am Bass und Lucas Goetz an den Drums, die Boldt gesanglich mit wunderschönen Harmonien unterstützen.

So erinnern The Deep Dark Woods bei Songs wie River in the Pines oder The Sun Never Shines an Neil Young & Crazy Horse in ihren besten Zeiten. Viele Songs sind flotter und lebhafter als die Albumversionen, allen voran Hang Me, Oh Hang Me, Two Time Loser und Back Alley Blues, das in das düstere, bewegende The Place I Left Behind übergeht. Die Setlist kann sich sehen lassen: In erster Linie sind Songs von The Place I Left Behind und Winter Hours vertreten, aber auch Traditionals wie Lay Down My Dear Sister und eine sehr berührende Version von Peggy-O. Dabei zeigt sich wieder, wie viele großartige Songs die Band schon geschrieben hat, zumal sie so manche Perle wie As I Roved Out, The Ballad of Frank Dupree oder Polly diesmal außen vor gelassen haben.

Viel zu sagen haben die Jungs nicht, sie lassen lieber ihre Musik für sich sprechen. Ryan Boldt wiederholt mehrmals den Bandnamen wohl in der Annahme, dass das Publikum nicht mit ihnen vertraut ist. CDs kann er auch nicht zum Kauf anbieten, denn die sind schon alle vergriffen. „Wir haben nur mit fünf bis zehn Zuschauern gerechnet, nicht mit so vielen.“, entschuldigt er sich. Zudem wundert er sich, dass sie viele zu einem Nachmittagskonzert gekommen sind, denn ich Kanada würde das niemand tun. Den Abstecher nach Holland haben sie übrigens Geoffs Tante zu verdanken, die Niederländerin ist; sie und ihr Neffe haben auch den Auftritt in Apeldoorn organisiert. Ansonsten ist von Boldt in erster Linie eine Mischung aus „Hey“ und Thank You“ zu hören, die er am Ende jedes Songs von sich gibt. Das ist das Tolle an The Deep Dark Woods: Sie müssen gar nichts sagen. Sie brauchen keine Show, sie können sich einfach irgendwo hinstellen und ihre Songs spielen und damit das Publikum völlig umhauen, einfach weil sie so unfassbar gut sind. Zum Beweis spielen sie als Zugabe das gute zehnminütige Big City Blues, das noch einmal ihr ganzes Können zeigt.

Auch wenn das Konzert respektable zwei Stunden dauerte, war das Publikum doch sichtlich traurig, als es zu Ende war. Ich hätte ihnen sicher noch ewig zuhören können, aber ich war schon unendlich froh, dass ich es überhaupt miterleben durfte. Ryan Boldt hat gesagt, dass sie im Herbst wahrscheinlich noch einmal wiederkommen – wenn das so ist, dann bin ich auf jeden Fall mit dabei, denn abgesehen von kleinen Soundproblemen am Anfang war es ein perfektes Konzert. Und wenn ich euch (was ich hoffe) neugierig auf die Musik der fünf Männer aus Saskatchewan gemacht habe: Auf thedeepdarkwoods.com gibt es drei Livemitschnitte zum Download. Es lohnt sich!

Den Auftakt macht das stampfende Lonesome mit der Twang-Gitarre, gefolgt von That Old Black Hole, das ebenso wie Get Away und Heavy Light mit Afrobeats experimentiert; dazu kommen noch nach Sturm klingende Soundeffekte. Zwischendurch nimmt der Song so sehr an Fahrt auf, dass man fast überhören könnte, wie pessimistisch er ist: It’s like that old black hole/no matter how you try/you set out each day never to arrive. Die Computerspielsounds bei Warrior Man sind vielleicht etwas albern, aber das wird durch die satte Gitarre wieder wettgemacht. Der letzte Song Turning the Century wartet gar mit einer Sitar auf. Dazu gibt es noch klassische Rocksongs wie These Days, Vampire oder Big Girl mit dem höchst eingängigen Refrain. Abgerundet wird das alles durch die eigentümlichen Stimmen von Toby Leaman und Scott McMicken. Fest zum Line-up gehört seit diesem Album auch Multi-Instrumentalist Dimitri Manos, der in der Vergangenheit schon häufiger für die Band getrommelt hatte.

Dr. Dog ist das Kunststück gelungen Songs zu schreiben, die sowohl komplex sind als auch über eine geradezu unverschämte Ohrwurmqualität verfügen, also genauso, wie Popmusik sein sollte. Meine Empfehlung: Stürzt euch ins Getümmel und lasst euch überwältigen von diesem fabelhaften Album.

Minus 10 Grad und eisiger Wind. Bremen am vergangenen Donnerstag Abend. Ein paar Gestalten zittern sich die Treppen zur MS Treue hinunter. Bloß nicht hinfallen. Geschafft. Schnell doch das Wegbier leer machen und dann ab in ins Warme.

Unten im Laderaum sitzen, stehen, tänzeln etwa 20 Leute. Das ist angesichts der Band, die in wenigen Minuten spielen wird, leider echt wenig Publikum. Waren doch die ersten Shows der Mini-Release-Tour restlos ausverkauft. Schieben wir es einfach mal aufs Wetter… Dann geht’s los. Licht an. Sound aufdrehen. Genießen. „Treue schwören“ bis zum letzten Song, freut die Band sich. Vierkanttretlager gefallen. Sogar sehr. Leider sind die, in dicke Jacken gepackten Leute nicht im Bewegungsmodus. Lieber am Bier festhalten. Aber für ungefähr eine Stunde nehmen uns die Husumer mit auf einen Besuch in ihre Köpfe und die Heimat. Die graue Stadt am Meer. Man denkt an kleine Fachwerkhäuser, Sonne, die durch die Wolken bricht und Opas, die in Hafenklausen Lütt un Lütt trinken. Aber Vierkanttretlager können mehr. Mal aufmüpfig, mal ganz ruhig, mal auf die Fresse. Aber immer mit Herz und viel Verstand zwischen den Zeilen und Takten. Menschlich.

Nun haben sie ihr erstes Album Die Natur greift an veröffentlicht, Beat Gottwald im Rücken und die vier Jungs waren schon Support von Casper. Nicht übel für Anfang 20. Dirk von Lotow, oder Jan Plewka wären bestimmt ein wenig neidisch auf die Schreiberqualitäten von Sänger Max Leßmann. Früher schrieb er Gedichte. Und beim Hören der Songs wünscht man sich sich ein paar Zeilen mehr merken zu können, um sie zu zitieren. So gut sind die Texte. So fanden sich Leif, Momme, Max und Christian nach und nach zusammen und machten das, was man halt so auf dem Land tut. Was besonderes starten. Musik machen. Sonst erschlägt einen ja auch die trügerische Weite und die Routine, die Erwartungen der Anderen. Das Album ist eine Sammlung der letzten fünf, sechs Jahre. Verpackt in 12 Songs. Ich hab das Album zum ersten Mal zu Hause, auf der Insel, gehört. Hat gepasst. Der manchmal leicht melancholische Sound, die Euphorie und manchmal auch die angenehme Trägheit der Songs erinnern an regennaßes Wetter, weiten Himmel und die angenehme Vertrautheit der Heimat. Das alles ohne altklug, oder ermüdend zu klingen. Im Sportunterricht hätte man für so einen tollen Spagat ne glatte 1 bekommen.

Mittlerweile sind die Konzertbesucher etwas lockerer geworden. Christian schnallt sich ein Schifferklavier um. Das Licht wird gedimmt. Und man freut sich, den Song Fotoalbum auf einem Dampfer zu hören. Mitschunkeln. Aber nur ein wenig. Leider. Viel zu schnell geht die Zeit rum. Die scheuen Bremer klatschen die Vier noch mal aus dem Backstage. Schluss. Aus. Raus.
Noch ein Bier. Quatschen. Ab in die dunkle Kälte.

Die Natur greift an, VÖ: 27.01.2012; Label: Skrotzki & Kempf

Anspieltipps: Nur die Sonne, Fotoalbum, Mein Ruf und Mit jedem seiner milden Blicke

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